Mar. Mar 19th, 2024
Una película de George Miller

Atención este monográfico no es apto para menores de 18 años. Prentendemos homenajear a realizadores  atrevidos y que trasgredieron determinados límites.

Dedicado a Lujuria AKA Anónimo A Veces.

Hubo una época en España en la que podías ir a un cine comercial y podías ver películas de ficción con elevado contenido en violencia y sexo, eran las famosas películas ‘Clasificadas S’. A raíz del último cambio legislativo si una película posee una gran carga de violencia o sexo se ha de clasificar X y sólo se ha de poner en cines destinados a tal fin, tal y como le pasó a Saw VI. En 1977, durante la primera legislatura de Adolfo Suarez, desaparecía la Censura en España. En 1985, tras la llegada del PSOE al poder y  la consiguiente reestructuración de la cúpula de RTVE, el director de programación decidió crear un ciclo de películas que se acabaría convirtiendo en mítico, y que casi le cuesta el puesto de trabajo. Se llamaba Cine de Medianoche. Un viernes al mes se emitía un largometraje a partir de las 00 horas, justo tras la emisión del mítico concurso de Narciso Ibañez Serrador “Un, dos, tres, responda otra vez”. La particularidad de las películas seleccionadas es que poseían una elevada carga de violencia o sexual, por calificación eran ‘clasificados S’. Hasta tal punto que antes de la emisión del mismo ponían un cartel advirtiendo que las imágenes podían herir la sensibilidad del espectador. Todo ello trajo en su momento un revuelo increíble. El film seleccionado para abrir el ciclo fue Deliverance de John Boorman que se emitió la noche del 17 de mayo de 1985. Pero, cuando el sector más conservador del país se levantó en armas y se volvió loco fue con la proyección el 20 de septiembre de Cuentos inmorales de Valerian Borowicz. Cartas de protesta, artículos en prensa, consultas en el Parlamento, fue un auténtico escandalazo y situó a Cine de Medianoche entre los programas preferidos por la mayoría de los adolescentes de la época y los adultos, ya que por aquel entonces no había Canal Plus “codificado”, ya sabéis a lo que nos referimos, llegaría un par de años después. Así comenzaba…

Cortinilla del programa ‘Cine de Medianoche’

Otro hecho incuestionable es que a día de hoy las películas de terror y acción a pesar de ser violentas, carecen de sangre, cada vez son más limpias, y son menos explícitas, en lo sexual y en lo violento, ya sabemos, salvo el reducto de Tarantino y Roth. Esto llega a tal punto que hasta el pobre Stanley Kubrick cuando realizó Eyes Wide Shut le consultó a Paul Verhoeven qué era lo que podía mostrar, cuáles eran los límites para que la Filmrating no le pusiera a su trabajo una “R” de restricted, lo que supondría que su explotación en salas comerciales quedaría limitada a mayores de 18 años exclusivamente. Es el equivalente a clasificado “S” o “X“ en nuestro país, con una salvedad que las películas X, independientemente de su contenido violento o sexual sólo podrían ser exhibidas en salas destinadas a tal fin.

En el presente monográfico nuestra voluntad es fijarnos cómo ha evolucionado el concepto de violencia y sexo en el cine en los últimos casi treinta años. Los mecanismos que generan este tipo de secuencias y el tratamiento del sexo. Intentaremos dar respuesta a preguntas del tipo ¿sería posible a día de hoy emitir en TVE o en cualquier cadena privada una película como Cuentos inmorales sin que la audiencia se volviera loca y que el director de programación tuviera que visitar el Parlamento para explicar los motivos de su decisión? ¿Hay ahora más posibilidades de ver a un hombre desnudo por delante que hace treinta años? ¿Eran o son realmente fuertes esos largometrajes? ¿Crearían hoy escándalo?

La violencia…

En 1972 el novelista James Dickey adaptaba su novela Deliverance a la gran pantalla. La realización corrió a cargo del realizador británico John Boorman. Lewis (Burt Reynolds), es todo un amante de la naturaleza, y su amigo Ed (Jon Voight) deciden descender el río Cahulawassee en canoa antes que una empresa construya una presa que inunde todo el valle del río, y este acabe desapareciendo. No lo harán solos, a ellos se suman dos amigos pero que son novatos en lo de sobrevivir en la naturaleza, Bobby (Ned Beatty) y Drew (Ronny Cox).  Los cuatro disfrutarán de los bosques de Georgia, de la vida de acampada y de la paz de la naturaleza. Para ello contratan a dos lugareños para que les lleven los coches al destino. Pero lo que pretendía ser la aventura de sus vidas, se acabará convirtiendo en una pesadilla. El largometraje se rodó en el río Chattoga en las Appalachian Mountains, concretamente en el condado de Rabun que pertenece al Estado de Georgia. Allí encuentran el marco perfecto para esta historia de supervivencia y contacto íntimo con la naturaleza, temas recurrentes en la filmografía de Boorman, como por ejemplo La selva esmeralda, Excalibur o Infierno en el Pacífico. Deliverance ha de ser considerada la primera, sentó las bases de todo un subgénero que acabaría integrándose en el gran género del terror.  Un grupo de amigos que van a pasarlo bien al campo y acabarán siendo atacados por un par de lugareños locos, que en este caso acabarán atormentando a nuestros cuatro hombres de negocios de Atlanta.

John Boorman

Tras su emisión en Cine de Medianoche todos los adolescentes no podíamos dejar de hablar de la violación de Bobby por el redneck. Aún a día  de hoy es muy intensa. La elección del personaje más débil psicológicamente, como es vejado y deshumanizado en planos generales cuando lo cabalga el montañés. Ed es el testigo de cargo, no puede hacer nada, tan solo observar como su amigo es violado porque está atado al árbol, y cuando trata de ayudarle se ahoga. Luego el paso a primeros planos detallados de los rostros de los tres implicados (Bobby, Ed y el lugareño). Y lo mejor es como juega con la profundidad de campo enfocando en primer plano el rostro de Ed y desenfocando la agresión sexual al fondo. Y lo mejor es como resuelve la escena, pero eso no lo contaremos porque es mejor que lo veáis.

John VoightNed BeattyViolación de Ed

Hay toda una exaltación a la virilidad y a la masculinidad en el primer tercio de la película. Ahí juega un papel muy importante Lewis, auténtico macho alfa, bocazas, guapo, incluso bastante musculado para la época. La relación que establece Boorman entre Lewis y Ed posee un cierto carácter ambiguo, marcado por las miradas y los diálogos. Es como si entre ellos hubiera algo más de fondo, pero que no se nos es revelado. Ed viaja con él aunque no le guste, y así se lo reconoce en la barca, aunque en el subtexto de la conversación dice que está conforme con su vida de casado. Curioso. Se lo pasa muy bien con sus brabuconadas, aunque esta vez poseen dos novatos a sus espaldas. Al caer la noche en el campamento y tras comentar Bobby que su primera polución nocturna fue en un saco de dormir. Ed algo borracho comienza a desnudarse, con una pipa en la boca y mira a Lewis para decirle: “da igual que desastres ocurran en otras partes del mundo o que insignificantes problemas surjan en Atlanta nadie podrá encontrarnos aquí arriba”

John VoightBurt Reynolds

Interesante es el tratamiento del desnudo masculino en esta película. Lewis el personaje con más testosterona de todos no enseñará nada más que los brazos permanentemente, porque usa chalecos. Teniendo un punto excitante. Al contrario el desnudo de Bobby es ridículo y triste, sobre todo porque acaba siendo agredido sexualmente, pero en ningún momento pierde el calzoncillo. Y llegamos a Ed, cuando el realizador británico tiene que destacar la masculinidad del personaje, le desnuda el torso fibrado a pesar de que posee un mono, para marcar sus atributos físicos.

Deliverance 05

La noche del 19 de julio de 1985 se emitió Perros de paja (1971). Sam Peckinpah con ayuda de David Zelag Goodman adaptaron la novela Gordeon Williams “El asedio de la granja Trencher”. El profesor David Sumner y su mujer Amy dejan atrás los Estados Unidos para trasladarse a vivir al pueblo donde nació ella, que está situado en plena campiña inglesa.  David es un matemático que ha aceptado una beca y ello le posibilitará estar en un sitio más tranquilo donde continuar con sus investigaciones. Pero, una noche tras regresar de una asamblea de la parroquia atropella a Henry Niles, un pobre retrasado mental que es perseguido por la familia Hedden porque se supone que ha violado a una joven lugareña.

De lo que no cabe duda es que este es uno de los grandes títulos de Peckinpah. Nos causó mucha imprensión en su momento, sobre todo por la crudeza del filme. Algo que no nos pasó desapercibido en su momento ni ahora en su revisión son los grandes pezones de la actriz. Resulta muy curioso el tratamiento de la sexualidad, de los planos morbosos del film, como juega Amy con sus bragas o como retrata el momento de la violación. destacar un pequeño detalle que a lo mejor se os pasó por alto, no volveréis a ver los pezones del personaje de Amy tras la violación, a partir de ese momento Peckinpah le quita toda la carga sexual al personaje de Amy y la hace muy vulnerable.

Perros de paja 01Amy tras la violación

Es impresionante esa retaila de planos montados a gran velocidad y cómo juega con los primeros planos. Más curioso es que dos películas de la misma añada, esta y  La naranja mecánica (Stanley Kubrick, 1971) posean la misma forma de mostrar una violación, porque ambos llegaron a incrustar imágenes subliminales. En el caso de Peckinpah es un plano medio situado entre uno general donde se ve a Dustin de espaldas sólo en el campo y un primer plano de Amy gritando. O cómo cuida la composión de los pequeños detalles, nos referimos a ese dedo del actor Del Henney y cómo apunta a la boca de Susan George, que no deja de ser una metáfora de su pene, y lo que nos plantea intelectualmente y de manera muy morbosa es un trío. Todo realzado por el juego de miradas entre los dos componentes masculinos, Henney y Ken Hutchison. Como podéis apreciar  le dota de un simbolismo brutal, y lo que es cierto es que este estilo narrativo está claramente en las antípodas del motivo por el que se hizo famoso, me refiero a la violencia a cámara lenta.

Perros de paja 05Violación de perros de pajaViolación de Amy en Perros de PajaPerros de paja 06Perros de paja 09
También hay que poner de relevancia como juega con la banda sonora. Nunca un aria tan bella como «Caro nome» de la ópera ‘Rigoletto’ de Verdi, había tenido un carácter tan exasperante. La perspicazia del realizador norteamericano queda patente en la construcción de la secuencia del espectáculo, en como fuerza el contrapicado de la cantante, todo con el sano objetivo de incomodar al espectador todo lo que esté en su mano, y vemos cómo poco a poco se van desatando todos los hechos para desembocar en la tragedia final.

Perros de paja 11

El largometraje nos gustó en su momento, y sigue funcionando como un reloj suizo en la actualidad. En los pequeños detalles y en la manera tan artesanal de construir la historia, jugando con el ingenio es lo que hace de esta película toda una obra maestra. No ha pasado el tiempo para este largometraje. Sus grandes actuaciones son el principal pilar sobre el que se sustenta el filme. Estos Perros de paja recientemente han conocido una nueva versión que os recomentamos que quede en el limbo de los justos y os olvidéis que existe, porque siempre quedará el original, que goza de una salud estupenda.

Caro Nome-María Callas

Dentro del marco de la violencia hay tres casos dignos de estudio porque son tan curiosos como excepcionales y que bien podrían haberse incluido en el mítico Cine de Medianoche, pero no lo fueron. El Ministerio de Cultura es quien dictamina la calificación por edades para las películas en España. Concretamente la última es de Febrero del 2010. Un grupo de cinco hombres y cinco mujeres son los que visionan y evalúan todos los largometrajes. Ellos fueron los responsables del bochornoso caso Saw VI, que por el lenguaje y las secuencias excesivamente violentas acabaron calificándola X. Pero en realidad no dejaba de ser más de lo que habíamos visto en otras entregas en la franquicia. Es tan mala que os remitimos a la crítica que hicimos en su día, porque tuvimos la ocasión de verla en EEUU sin censurar. Históricamente hay un par de casos muy parecidos e interesantes.

A finales de la década de los 70, los jóvenes españoles disfrutábamos del destape, de los primeros pechos en pantalla grande y de los primeros desnudos frontales de actrices como por ejemplo Victoria Abril, María José Cantudo o Concha Velasco. La frase famosa entre las actrices era: “yo me desnudo si lo exige el guión”. En ese momento, el Ministerio de Cultura creyó conveniente crear una calificación por encima de mayores de 18 años, así nació la famosa calificación “S”. En ella se incluyen todas las cintas que tuvieran desnudos, escenas porno lights o que fueran de excesiva violencia. Porque el porno duro era “calificado X” y había que ir a las correspondientes salas. Así ocurrían cosas tan disparatadas como que la franquicia Emmanuel fuera “calificada S” y por ejemplo, El último tango en París obtenía la calificación de “para mayores de 18 años”

El 17 de agosto de 1981 El crimen de Cuenca de Pilar Miró consiguió entrenarse en nuestro país, bajo la calificación de “S” por contener escenas donde se detallaba de manera minuciosa torturas perpetradas por la Guardia Civil. Por este motivo  ministro del Gobierno de Unión de Centro Democrático,  Ricardo de la Cierva, puso el film a disposición militar. Este largometraje estuvo secuestrado durante más de año y medio y su realizadora estuvo sometida a un proceso militar. Esto la convertía en el único caso de una película prohibida por el Gobierno desde la instauración de la Democracia en nuestro país.

Una película de Pilar Miro

El guión escrito por Salvador Maldonado y Pilar Miró nos cuenta los tristes hechos acontecidos el 12 de septiembre de 1910 en  un pequeño pueblo de la provincia de Cuenca llamado Osa de la Vega donde desapareció  José María el hijo de la Juana, apodado ‘El Cepa’ que fue visto por última vez en los baños y acababa de vender ganado. La madre denunció su desaparición al juez. Por lo visto la última persona en verlo fue León (José Manuel Cervino), un pastor, y Gregorio (Daniel Dicenta). Este hecho enfrentó a dos pueblos La Osa, que era más de izquierdas, y Tresjuncos muy conservador.

La banda sonora es de Antón García Abril

El film se rodó en Osa de la Vega, Velmonte, Tresjuncos y La Celadilla. La trama  realmente no sólo ponía de manifiesto las relaciones entre los poderes político y eclesiástico, también las injerencias del político en el judicial, así como las torturas perpetradas por la Guardia Civil. El resultado fue un cúmulo de incoherencias y dos pastores torturados. Esta puede que sea considerada como la obra maestra de la realizadora y posee interpretaciones memorables por parte de un elenco muy bien escogido, desde Fernando Rey hasta José Manuel Cervino. El filme es un relato estremecedor que tuve que esperar tres años para verlo en un pequeño cine de Palma de Mallorca llamado Cine Bellver. Me ha encantado tener la oportunidad de volverla a ver. A día de hoy, sigue funcionando y hace que te revuelvas e indignes a partes iguales en la butaca. Me parece interesantísimo ver como sigue vigente el discurso de este film. Eso sí que es llamativo y da verdadero pavor.

El crimen de Cuenca 6-desnudo José Manuel CervinoEl crimen de Cuenca 4Daniel Dicenta en el Crimen de Cuenca

El 5 de febrero de 1980 se estrenaba en España rodeada de gran polémica un film australiano de bajo presupuesto con un reparto totalmente desconocido, se titulaba Mad Max – Salvajes de autopista. Llegó en un momento oportuno. En su momento nos gustó mucho este futuro distópico y apocalíptico a partes iguales. A finales de los 70, tras la muerte de Franco, se empezaba a respirar otro ambiente. Los españoles deseaban ver cosas realmente innovadoras. Los espectadores deseaban tener emociones fuertes en pantalla grande. Encima, un grupo de trabajadores del Ministerio de Cultura querían estrenar sus nuevas calificaciones, así que no dudaron en calificarla “S” por contenido violento. Puede que encima ayudara los dos momentos Serguéi Eisenstein con criatura incluida o puede que fuera por el único desnudo que se puede ver en todo el metraje. También ayudó por aquel entonces a incrementar la expectación la creciente afición en nuestro país por el mundo del cómic. Todos leíamos el ‘Metal Hurlant’, ‘Víbora’, ‘Totem’, etc. En ese circuito el film por mérito propio se hizo muy famoso.  Y finalmente lo que más ayudó a generar una suma expectación fue que todos los jóvenes del momento  (que leíamos cómics) queríamos verla. Lo tenía todo: coches, violencia y mujeres. Encima la rumorología la ponía más en el candelero. Imaginad las conversaciones: ¿tus padres la han visto? ¿qué te han contado? Yo he oído que es muy fuerte, que violan a unos… En fin,  no hay nada como lo prohibido.

Una película de George Miller

En mi caso tuve que armarme de paciencia y esperé dos largos años para verla. La conseguí ver un poco antes de que se estrenara en nuestro país la segunda parte en el Cine Estudio Bellas Artes. A nadie nos defraudó en su momento. Su estética apocalíptica se impuso. Nos pareció sumamente violenta. Mel Gibson se convirtió en un icono. Los psicópatas hacían cosas inauditas para nosotros. Era como estar viendo un cómic en movimiento. Disfrutábamos con esos exagerados primeros planos o con la posición de la cámara a ras de asfalto. Lo realmente curioso de todo el asunto es que estamos ante violencia implícita. No se ve nada. Lo único que ve el espectador son las consecuencias de los hechos violentos. Miller jugaba con el fuera de campo y  la imaginación del sujeto que visiona el metraje. Resultaba en su momento y más ahora lo andrógino que era el personaje de Bubba Zanetti interpretado por el actor Geoff Parry. Muy curiosa la pátina de ambiguedad con la que construyó su personaje, situándolo en una delgada línea entre la homosexualidad y la asexualidad. Eso queda patente en la escena de la playa cuando dispara a esa mujer ideal representada en el maniquí, y todo realzado con la puesta en escena, sobre todo el vestuario y la pistola luger, que encima le da un caríz muy nazi.

 Geoff Parry es Bubba

Tras revisitar este mundo apocalíptico considero que estos Salvajes de la carretera han envejecido muy mal. Visto con los ojos de hoy me ha resultado un film muy efectista, que adolece de falta de ritmo en algunos momentos, y que por supuesto posee un guión lleno de clichés. Las interpretaciones están muy exageradas, llegando en algunos momentos a ser verdaderamente histriónicas.

El guión es de James McCauslandJoanne Samuel era la pareja de Mel Gibson

Ahora queda ver cuál es el legado de Mad Max. La segunda parte es la mejor de la franquicia, porque la tercera se convirtió en un producto sumamente pueril. Ahora George Miller tiene en postproducción la cuarta entrega de esta famosa saga australiana, en la que veremos a Mel Gibson haciendo un cameo, y Tom Hardy hará de Max Rockatansky.

La transgresión…

El viernes 18 de octubre de 1985 se emitió El portero de noche (1974), largometraje realizado por Liliana Cavani en 1974. Esta película era absolutamente transgresora en su momento. El guión escrito por la propia Cavani, Barbara Alberti, Italo Moscati y Amedeo Pagani más atrevido no podía ser. La acción nos lleva el corazón de Viena, al año 1957. La II GM ha finalizado y el juicio de Nuremberg está en marcha. Los nazis son perseguidos por toda Europa, y tratan de integrarse en la sociedad. Para ello hacen desaparecer a todos los testigos judíos que les puedan reconocer. Lucia Atherton, la mujer de un famoso director de orquesta, estuvo internada en un campo de concentración por ser judía.  Atherton y su esposa visitan la ciudad porque va a dar una serie de conciertos.  A su llegada reconocerá a Maximilian Theo Aldorfer, antiguo miembro de las SS y que ahora trabaja como portero en el hotel donde se hospedan. De esta forma los recuerdos cobrarán vida de nuevo, ya que Lucía fue el objeto sexual de Max durante su internamiento, manteniendo una larga relación sadomasoquista.

Una pelicula de Liliana Cavani

Sórdido film protagonizado por un  reparto de lujo integrado por actores de la talla de Dirk Bogarde, Charlotte Rampling. Entre ambos hay una química especial de la que se beneficia la realizadora para dotar de verosimilitud a la narración. Lo que más me impresionó en su momento fue la escena de las sillas voladoras o ver cómo violaban a una judía en el campo de concentración delante de otras prisioneras. La cinta de Canani no ha perdido nada de fuerza, puede que sea por la potencia de la relación sadomasoquista entre el oficial nazi y Lucia. Puede que sea por la aproximación que hicieron sus guionistas en su momento. Hubo  mucha gente que tras la emisión en TVE opinaba que esta auténtica provocación estaba carente de contenido. Queda patente que a día de hoy la calidad de esta cinta es incuestionable, posee una cuidada puesta en escena  y mantiene vivo su capacidad de enfrentar al espectador a los rincones más oscuros de su personalidad.

Contaba con un guion de Barbara Alberti

La gran baza es que hasta el final no se desvela si estamos ante una venganza, están de verdad enamorados o simplemente que tiene un Síndrome de Estocolmode grandes proporciones. También juega con la idea de hasta dónde uno estaría dispuesto a dar para salvar la piel. Obviamente la experiencia de pasar por un campo de concentración debe dejar sus secuelas para toda la vida, y sus creadores juegan con la espinosa naturaleza de esta particular relación y con los sentimientos potenciales que puedan generar en el espectador. Por ese motivo, se hace impensable que ninguna cadena de televisión a día de hoy se atreviera a emitir El portero de noche.

Violaciones a hombres

Es una pena, porque el largometraje posee un delicada y cuidada puesta en escena, donde todos los elementos están al servicio de la película. Lo artístico se funde con el horror de lo que uno podía experimentar en los campos de concentración. Así la música, tanto la tierna partitura original de Daniele Paris como los fragmentos de “La flauta mágica” de Mozart, juegan un papel fundamental en la narración, y preparan psicológicamente al espectador para lo que va a presenciar.

 Dirk Bogarde y Charlotte Rampling,

En cuanto al tratamiento de la figura femenina en este descarnado relato es inevitable que sea  humillante y vejatorio, por la propia naturaleza de la relación. No debemos olvidar que estamos en el marco de una relación sadomasoquista, donde el rol sádico recae en el nazi y el masoquista en la prisionera judía. Pero la sensibilidad de la realizadora italiana hace que el espectador pueda soportar este exclusivo y tortuoso romance que no deja de ser una metáfora de los horrores y los traumas del internamiento en el campo de concentración, y que en el fondo yace un auténtico relato de amor fou que sus creadores lo llevan hasta las últimas consecuencias.

La noche del 21 de febrero de 1986 se emitió Buscando al Sr. Goodbar (1977) de Richard Brooks. A estas alturas del citado programa el visionado de este film nos resultó cuando mínimo aburrido y para nada escandaloso. Aunque había compañeros del instituto que decían muchas lindezas como por ejemplo: “como molaría tenerla de profesora”. Recordad que éramos jóvenes hormonados. En este caso Brooks adaptaba la novela homónima de Judith Rossner en la que nos contaba como Theresa una joven profesora de niños sordomudos por las noches se dedica a ir a discotecas y lugares de ambiente para divertirse y buscar sexo fácil.

Buscando al Señor Goodbar 01

Partamos de la base que el film de Brooks es un largometraje absolutamente comercial porque nace del seno de un gran estudio como es Paramount Pictures, así que muy transgresor no podía ser. A pesar de que la historia aparentemente es muy simple posee más enjundia de lo que a priori podría parecer. Realmente estamos ante un film muy feminista. Estamos ante una mujer incomprendida magistralmente interpretada por una joven Diane Keaton. Nacida en el seno de una familia católica ortodoxa, de férreos valores morales, muy conservadora. Su padre, interpretado formidablemente por Richard Kiley (Patch Adams), es el principal causante de todos sus diatribas mentales, al igual que le pasa a su hermana Katherine. Por eso, ambas acaban abandonando el hogar familiar para independizarse y buscar su hueco en la vida. Theresa es el claro ejemplo de un espíritu libre, vive de acuerdo a las convenciones sociales, las acepta, pero por la noche busca otra cosa: diversión y sexo (sin el menor grado de compromiso). Ahí es donde unos adolescentes hormonados colisionan de lleno con el film, no comprendiendo parte del mensaje. Un hombre que quiere vivir el presente, el hoy y ahora, que busca sexo sin compromiso es un gallito, en el caso de una mujer se la tacha de …. mujer de mala vida. Ella lucha por salir adelante. No quiere nada que la ate.

Dirigida por Richard Brooks

Encima sus relaciones con los hombres son muy conflictivas porque ha de enfrentarse a verdaderos depredarores sexuales, que no la tratan desde el mismo plano, se sienten todos superiores a ella y sólo habrá uno que se sienta inferior y será por la falta de erección, porque en realidad es homosexual, y transformará esa carencia de virilidad en violencia.  Su primer amor es un hombre casado, uno de los profesores de la facultad, que además resulta ser un machista y humillador nato. Una joya, para resumir el talante de su personalidad podré una de sus frases del guión: “simplemente es que no aguanto a una mujer después de follármela”. Luego encuentra a James, un chico que trabaja en Asuntos Sociales, pero que resulta ser tan católico y conservador como su padre. En sus devaneos nocturnos encontrará de todo, desde chalados salidos de la guerra del Vietnam como Tony (interpretado por un jovencísimo Richard Gere que ya apuntaba maneras) a hombres que confundan los términos y acaben dándola dinero. Todos son auténticos tullidos mentales. Sólo se encontrará con un hombre digno y que la defenderá, no es otro que el hermano mayor de Amy, una de las niñas sordomudas de la clase, que también es un ser marginal por su etnia.

El culo de Richard Gere El culo de Diane Keaton

A nosotros como adolescentes lo que nos pareció más morboso fue ver a una profesora drogarse o la relación sexual entre el profesor y la estudiante, pero eso era los primeros diez minutos de metraje a partir de los cuales comienza el núcleo dramático del film. El personaje de Katherine, la hermana de Theresa, resume en uno de sus diálogos el espíritu del film: “todos buscamos a alguien que no nos juzgue”. El personaje de Keaton representa a una mujer liberal, que vive el presente, el hoy y ahora, que busca satisfacer sus necesidades sexuales, representa la liberación femenina, es en síntesis “un espíritu libre” Ella quiere ser feliz y dueña de su destino. Huye por completo de cualquier victimismo, a diferencia de su hermana. Eso le otorga al personaje una gran fuerza vital. De día ella es trabajadora, representa lo apolíneo, mientras que de noche se entrega a lo dionisiaco, a los sentidos, se convierte en puro hedonismo. Ahí juega muy bien sus bazas el realizador norteamericano al no demonizar en ningún momento el mundo de la noche, aunque de pistas de los motivos por los que esos jóvenes adultos se entregaban a la música disco, a la cocaína y al alcohol con suma facilidad. Era la generación post-vietnam, representada en  el personaje de Tony. Querían olvidar el desastre y la situación social.

la escena de la orgía de Buscando al Señor Goodbar

En los locos años 80 nosotros que buscábamos morbo en el film nos defraudó un poco, porque el espectador nunca verá desnuda a Diane Keaton, bueno algún pecho si se la ve. Pero nada más. En cambio Richard Gere ya empezaba a apuntar maneras al llevar un suspensorio en una de las escenas de cama, así que podríamos decir que hay un desnudo posterior masculino. El resto queda  mucho  a la calenturienta imaginación del espectador como por ejemplo, la escena de la orgía protagonizada por Katherine.

Me alegro profundamente de haberla revisitado 27 años después. Puede que ahora algunos encontraran la subtrama del aborto como algo escandaloso, porque el sector más conservador de nuestra sociedad está haciendo mucho ruido. En términos generales me parece una cinta muy interesante, y recomendable. Que se merece un visionado, no por lo morboso, sino por lo aperturista de su mensaje. Interesante es como muestra los anhelos de Theresa mediante el uso de los flashforward. Aunque lo realmente demoledor de la película acontece al final, y que por motivos obvios no vamos a desvelar. Lo bueno es que la hace aún más feminista si cabe al largometraje. Vista hoy los paralelismos con otros personajes de ficción como Thelma y Louise son incuestionables y evidentes. Al igual que ellas, Theresa acabará encontrando la muerte al sentirse totalmente desligada y liberada del mundo de los hombres y por ende, se sentirá brevemente superior a ellos.  Algo si es cierto, no tengo claro que un producto como este tenga cabida en la parrilla de emisión de una cadena, no porque  verse sobre una profesora que se droga y que hoy duerme con uno y mañana con otro, sino por lo reaccionario y vital que me parece la trama. Eso es lo que la hace verdaderamente peligrosa.

Richard Gere y Diane Keaton

El viernes 18 de abril de 1986 se emitió Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón (Pedro Almodóvar, 1980). Film que estuvo más de un año ininterrumpidamente en los Alphaville de Madrid, ahora conocidos como cines Golem. Daba igual, ya la habíamos disfrutado en cines, y la volvimos a disfrutar en familia en la televisión. Por méritos propios este largometraje del realizador manchego debe considerarse como un film de culto, al igual que podemos considerarlo al Rocky Horror Picture Show. La proyección de la ópera prima de Almodóvar significaba muchas cosas. Sin temor a equivocarnos puede que se trate de su film más transgresor y rupturista, tanto en el fondo y en las formas. Llama la atención que el espectador no verá ningún desnudo, ni masculino ni femenino. Por el contrario, oirá hablar de pollas, coños, lluvias doradas o comidas de pollas.  No deja de ser un producto muy wharholiano en concepto y precepto. Algunos podrán verlo como una monumental gamberrada de espíritu naive.

Títulos de crédito

Concebido en un principio como un mediometraje, que se titularía “Erecciones generales”. Pedro Almodóvar acudía al rodaje cada día con más ideas, de esta manera se fue desarrollando la trama poco a poco. Tardó en hacer realidad esta ópera prima dos años. Obviamente, es un trabajo carente de expectativas, nace la más pura espontaneidad. En cuanto a las formas en el film se evidencia el gusto en aquellos días por los fanzines y los comics underground. Los pocos medios con los que se rodó lejos de jugar en su contra, se convierten (incluso a día de hoy) en toda una plusvalía. Este primerizo trabajo con los años ha ganado más fuerza, y desde aquí os recomendamos su visionado si es que no lo habéis hecho. Éramos más valientes en los 80 que en la actualidad.

Una trama tan demencial y tan loca a día de hoy ni el propio Pedro se atrevería a rodarla. Y es una pena. Eso significa que algo hemos perdido por el camino. Este film no deja de ser un fresco social de lo que se denominó la movida madrileña. Las formas de vestir, de hablar. Todo está perfectamente retratado al igual que sus iconos: el pintor Costu, el cantante Fabio McNamara y un largo etc.

Pedro Almodovar y la lluvia dorada

Ya sé que es una ucronía, pero si Almodóvar surgiera hoy y tratara de hacer una película con el mismo tono y las mismas situaciones cómicas no conseguiría posiblemente ni estrenarla con los tiempos que corren. Puede que las mujeres se echaran a su yugular por la delgada línea en la que juega la trama del matrimonio integrado por el policía y Bom: violencia de género y sado-masoquismo. Muy limítrofe. Puede que fuera considerado un producto low cost, y a saber que grado de distribución hubiera alcanzado. Llama la atención la total naturalidad con la que trata los temas sexuales, sobre todo las relaciones lésbicas, homosexuales y sadomasoquistas. La escena que iba de boca en boca en su momento la protagonizaban este rocambolesco trío femenino, donde Bom sometía a una lluvia dorada a Luciana.

Escena de la lluvia dorada

No podía negar que este Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón es hija de su momento porque cabía también la sátira política, con ese concurso liderado por el propio Almodóvar llamado “Erecciones generales” donde ganaba el que tuviera la polla más grande y esbelta cuyo ganador será nombrado rey del resto de la noche. Lo más divertido era ver a Carmen Maura jugar a ser una chica Chicho Ibañez Serrador.

Pero sus delirantes diálogos se daban la mano con lo intrascendentes, locas, descaradas y divertidas que eran las letras de canciones del grupo ‘Bomitomi’ liderado por Bom (Olvido Gara), atención a esta verso de Alaska: “Yo te quiero porque eres sucia, guarra, puta y soltera”. El film posee momentos antológicos como el anuncio publicitario de ‘Bragas Ponte’ protagonizado por Cecilia Roth.

Anuncio ‘Bragas Ponte’

El sexo explícito…

En 1974 el guionista y realizador Walerian Borowczyk firma su obra Cuentos inmorales, que podemos encuadrar en el subgénero de las nunsplotation erótico. Este clásico del cine erótico se proyectó la noche del viernes 20 de septiembre de 1985 en Cine de Medianoche. El largometraje generó tal controversia social, política y mediática, que el director de programación tuvo que acudir al Parlamento para explicar los motivos por los que decidió su emisión.

Erzsébet Báthory La condesa sangrientaLa condesa sangrientaLa condesa sangrienta un episodio de Los cuentos inmorales

El guión está construido en torno a cuatro historias. La primera titulada “La marea” basada en un relato corto de André Pieyre de Mandiargues. André, un joven de 20 años, lleva a su prima Julie de 16 años,  a un sitio apartado de la costa para enseñarla el movimiento de las mareas. La segunda se titulaba “Teresa filósofa”. El 10 de Julio de 1890 se publica en “La Gazeta Dominical” la noticia de que los habitantes de región piden la beatificación de Thérèse H., una piadosa muchacha vergonzosamente violada por un vagabundo. La tercera se llama “Erzsébet Báthory”.  En 1610, la Condesa “sangrienta” Erzsébet Báthory, acompañada por su paje, visitan los pueblos y las aldeas de su condado de Nyitra en Hungría. La Condesa Báthory busca para su Castillo jóvenes honestas y humildes. El domingo la dirigente permitirá quizás a las escogidas el poder tocar su manto, adornado con perlas. Aquellas que alcancen a tocar su manto, conseguirán la felicidad eterna.  Y la cuarta y última historia posee como protagonista principal a “Lucrecia Borgia”. En 1498, ella  acompañada por su marido Giovanni Sforza, visita a su padre, el Papa Alejandro VI   y a su hermano, el Cardenal César Borgia. Mientras tanto, el Dominico Jerónimo Savonarola  denuncia la vida disoluta de los eclesiásticos.

Cuentos Inmorales- La marea 01

Cuentos Inmorales- La marea 02

La emisión de este film lo que puso de manifiesto fue el poder de la iglesia, que levantó en armas al sector más conservador del país. El largometraje es genuino porno soft, sólo que realizado con grandes aspiraciones y que sugiere más que muestra. Diferente son los temas que trata, que resultaron ser de lo más espinosos. Porque en el cuarto relato podíamos ver a Lucrecia Borgia haciendo una fellatio al Papa, que en realidad es su padre. O la subyugación de una joven por un adulto en La marea. De los cuatro cuentos entre los adolescentes del momento triunfó el relato de Teresa Filósofa, evidentemente que la protagonista se masturba con unos pepinos. Imaginad las risas en el instituto al siguiente lunes.

Cuentos Inmorales- Thérèse H 01Thérèse H

El realizador polaco afincado en Francia realiza un producto muy estético, donde la figura de la mujer es el motor de la película. Explota a la saciedad el desnudo femenino, tanto anterior como posterior. Tan sólo hay un momento en el que podemos ver un desnudo frontal masculino, es en el relato de la condesa sangrienta, justo al principio. Y deberemos esperar al último relato para ver un desnudo posterior masculino,  concretamente en el pasaje más lascivo e incestuoso protagonizado por Cesar Borgia. No creo que instrumentalice la figura de la mujer, es que en realidad las verdaderas protagonistas. Eso lo lleva al paroxismo con la escena de las perlas con toda una orgía lésbica. De clara vocación artística, las mujeres son fotografiadas como auténticas Venus. Ahora visto con perspectiva el film, el relato de “la marea” es muy machista. Esa subyugación de la adolescente a realizar una fellatio a su primo de 20 años, por muchos tintes artísticos que le pongas no deja de serlo. Yo creo que es lo que la convertiría en la actualidad en un film polémico. Hay que reconocer que a Borowczyk, el Tinto Brass checo, le gusta relacionar el sexo con la religión. Lo que obviamente le lleva a levantar ampollas. El programador de Cine de Medianoche tenía previsto haber emitido Interior de un convento  (Borowczyk, 1979) pero por un problema de derechos no se emitió. En la actualidad se dedica al mundo de cortometraje aunque no ha dejado de realizar productos que se podrían clasificar “S”.

BorgiaBorgia

En 1978 Eloy de la Iglesia firma la película El diputado, este film se emitió la noche del 15 de noviembre de 1985. Posiblemente aquella noche era la primera vez que veíamos sexo entre hombres en la televisión. Esto marcó un antes y un después, sin duda alguna. Este largometraje contaba con un gran reparto integrado por figuras como José Sacristán, María Luisa San José, Agustín González, y también aparecía haciendo un cameo el prestigioso realizador Juan Antonio Bardem haciendo de comunista encarcelado en Carabanchel. El guión lo escribió con su principal colaborador Gonzalo Goicoechea, y nos cuentan la historia de Roberto Orbea, un profesor de universidad que en los últimos años del franquismo tiene que dejar las clases porque militaba en la clandestinidad en el partido comunista. Por ese motivo acaba ejerciendo de abogado y al final acabará en prisión por motivos políticos. Tras la muerte del dictador, él retomará su vida política presentándose como  diputado por Madrid del Partido Comunista en las primeras elecciones generales. Pero, su pasado en la prisión donde tuvo unos escarceos homosexuales con Nés, le acabarán persiguiendo y determinando su futuro.

José Sacristán era El diputado

Este film pasó entre los adolescentes de los 80 como un tostón político, ya que había que esperar al tercio final para ver algo de interés, que en encima se resuelve con un fundido en blanco con lo que nos dejó con la miel en los labios a todos los testosterónicos jóvenes del momento. Visto ahora, este trabajo de Eloy de la Iglesia resulta tan curioso como interesante. Ese paralelismo que establecen los guionistas entre la clandestinidad y vivir dentro del armario está conseguida. Nadie le puede quitar a Eloy la haber sido uno de los primeros realizadores militantes, tanto en lo político como en lo sexual. En cuanto al sexo los creadores juegan a situar al personaje en momentos muy morbosos, jugando mucho con la insinuación y con lo explícito. Es muy interesante el carácter efébico de Juanito, De la Iglesia lo explota con mucha inteligencia con primeros planos muy subidos de tono, como en la secuencia de la fellatio. Esto es muy curioso porque en aquella época vivíamos los locos años del destape, donde las féminas se tenían que desnudar si lo requería el guión, y en este caso le todo a los hombres, pero a los jovencitos, porque José Sacristán no realiza ningún desnudo, ni tan siquiera posterior. Lo hace el joven Nés (Ángel Pardo) en el penal de Carabanchel y la secuencia del piso franco.

El diputado 03

Lo más interesante es el desarrollo del personaje femenino que aparentemente no posee importancia pero tanto en los ochenta como en la actualidad cobra una especial importancia al ver como poco a poco toma fuerzas y coge las riendas de su destino, alterando la química interna de la pareja. De esta manera el film se volvía mucho más transgresor aún si cabe, al proponer como solución un trio entre Juanito, Carmen y Roberto.

Hoy sería polémica no por el contenido sexual, sino por el político, porque el problema no estriba en que sea homosexual sino en que defienda a miembros de ETA, todo hay que explicarlo de la rama política no militar. Hay que reconocer que las tesis de la cinta son muy avanzadas para la época (con el tío Paco recién introducido en la fiambrera), sobre todo el final, la tesis de hacer historia o sufrirla en el plano intelectual, y en el sexual ese trío antes mencionado. Por no hablar de la asunción de su homosexualidad y del discurso final. En cuanto al sexo resulta muy bucólico el momento tienda de campaña. Así que este diputado es un ejercicio de estilo del señor De la Iglesia que tiene como referente máximo a Visconti y Muerte en Venecia. De ahí la elección del rubito jovencito que llevará al personaje al extremo de sus posibilidades. Eso sí sustituyendo a Mahler por  Tequila y Ana Belén que son más cañí.

El diputado 04Un film de Eloy de la Iglesia

La noche del 17 de enero de 1986 se pudo ver la mítica obra del realizador Nagisha Osima titulada El imperio de los sentidos. Esta coproducción franco-japonesa puede que sea considerada la primera película con sexo explícito dentro del circuito de exhibición comercial. Es decir, fuera del marco de las pantallas de las Salas X. El film se estrenó en 1976. Durante nuestra transición política fue uno de los estandartes de la liberación sexual sin albergar la menor duda, conjuntamente con El último tango en París, que curiosamente carecía de escenas de sexo explicito, y donde la famosa escena de la mantequilla no dejaba de ser un alegato político, es decir, era una metáfora de “dar por culo al obrero”, no escondía nada más. Pero, volvamos a nuestro objeto de estudio, volvamos a la que podemos considerar como una de las joyas de la filmografía del realizador nipón.

El imperio de los sentidos 01El imperio de los sentidos 02

Esta bella obra no deja de ser un lírico canto al amor, nos cuenta la tortuosa historia de amor de Kichizo Ishida y  Sada Abe. Supuestamente nos narran unos hechos que tuvieron lugar en 1936. Ella es una prostituta que trabaja en la casa de Kichizo para pagar las deudas de su proxeneta. Esta anodina pareja que deciden llevar su historia de pasión y sexo al límite de sus posibilidades. De esta manera, comenzarán a explorar distintos juegos eróticos y se irán adentrando poco a poco en juegos cada vez más complejos e irán traspasando fronteras y puntos de no retorno. Las ansias de la mujer por poseer a su pareja crecen poco a poco, de tal manera que se ven abocados a superar su último tabú, la búsqueda del último deseo, que su placer no tenga fin.

El imperio de los sentidos 07

En lo argumental esta película es de clara vocación hedonista, busca la satisfacción de los placeres de sus personajes, esa búsqueda posee un claro espíritu feminista. Kichizo busca que su amante disfrute a la par que él. Su narrativa aúna la cosmología oriental, la pasión y el juego con la profundidad de campo, con la potencia de la fuerza visual occidental del primer plano, eso hace de este film una obra de compleja narrativa y de gran poder visual. En este largometraje encontraremos a un realizador capaz de revelarnos su lado más femenino y masculino a la hora de narrar. Oshima nos demuestra su gran maestría y despliega toda su bis femenina en la capacidad de sugerencia en la escena que abre el film y presentarnos a su protagonista. Pero, también a lo largo del film nos muestra su lado más masculino como por ejemplo con lo explícito que es en la secuencia del la resolución de la fellatio o en esa gran orgía que montan para celebrar cuando se van a vivir juntos. Solo podemos decir una cosa, antes de Lars Von Trier y sus dos volúmenes de Nymphomaniac sienpre estuvo y estará la maestría de Oshima, al cual ha homenajeado en la secuencia del tren.

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Destacar en la dirección artística el uso de los colores rojos para poner de relevancia el carácter insaciable de Sada, que centralizan todo nuestro foco de atención como espectadores en esos grandes planos generales, en los que podemos ver a la pareja haciendo el amor en primer término y la abuela limpiando al fondo del plano. O esa túnica blanca con la que viste a Sada al final para denotar pureza en ese último gran acto de amor. El rojo también es un color que podremos ver en la escenografía así como en los objetos, como el consolador con el que masturban a una virgen previa a la secuencia de la orgía. Aunque lo más comentado en el instituto al lunes siguiente fue la célebre secuencia del huevo. Aunque lo que ya nos dejó sin palabras fue el final de la película, que por motivos obvios no desvelaremos, pero nos causó una tremenda impresión, por los ciertos tintes gore que posee. A día de hoy no impresiona tanto y resulta muy romántico.

Curiosamente ninguno de los largometrajes de los que hemos hablado en este monográfico se han vuelto a exhibir en ninguna cadena generalista, ni a nivel autonómico ni nacional. Es una pena, porque todas poseen grandes valores artísticos que hacen de ellas verdaderas joyas. Son auténticas obras de culto.

Relación completa de todas las películas que se emitieron en Cine de Medianoche por fecha:

Cine de medianoche. Emisión mensual.

17 de mayo de 1985 con Cine de medianoche: Defensa (1972) de John Boorman

21 de junio Si Don Juan fuese mujer (1972) de Roger Vadim

19 de julio Perros de paja (1971) de Sam Peckinpah

Otro título `fuerte´para Cine de Medianoche, que levantaba el interés de la programación (19/07)

23 de agosto Cine de medianoche: Muerte de un magnate (1983) de Francisco Lombardi

20 de septiembre Cine de medianoche: Cuentos inmorales (1974) de Valerian Borowicz

18 de octubre Cine de medianoche: Portero de noche (1974) de Liliana Cavani

15 de noviembre Cine de medianoche: El diputado (1978) de Eloy de la Iglesia

13 de diciembre Cine de medianoche: Y Dios creó a la mujer (1956) de Roger Vadim

1986

17 de enero Cine de medianoche: El imperio de los sentidos (1976) de Nagisha Osima

21 de febrero Cine de medianoche: Buscando al Sr. Goodbar (1977) de Richard Brooks

Reivindicación del año: un extraordinario filme con Diane Keaton, crudo y sórdido, con un final explosivo. Los debutantes Richard Gere y Tom Berenger nos dejaron boquiabiertos (21/02/86)

Marzo no hubo

18 de abril Cine de medianoche: Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón (1980) de Pedro Almodóvar

16 de mayo Cine de medianoche: Performance (1969) de Nicholas Roeg

Junio no hubo

18 de julio Cine de medianoche: El muro (1983) de Yilmaz Güney

15 de agosto Cine de medianoche: Pocilga (1969) de Pier P. Passollini

19 de septiembre Cine de Medianoche: El sacerdote (1978) de Eloy de la Iglesia

17 de octubre Cine de medianoche: La vía Láctea (1968) de Luis Buñuel

21 de noviembre Cine de medianoche: Las mil y una noches (1974) de Pier P. Passollini

19 de diciembre Cine de Medianoche: Roma (1972) de Federico Fellini

1987

17 de enero  Cine de medianoche: Vestida de azul (1983) de Antonio Giménez Rico

21 de febrero Cine de medianoche: Adiós al macho (1977) de Marco Ferreri

21 de marzo En Cine de Medianoche, prevista Interior de un convento (1978) se cancela y se emite en su lugar Placeres ocultos (1976) de Eloy de la Iglesia

Abril no hubo emisión porque cayó en Semana Santa

16 de mayo Cine de medianoche: Arrebato (1980) de Iván Zulueta

El máximo representante de la contracultura, Iván Zulueta, realizó este inclasificable largometraje que fue oportunamente exhibido en Cine de Medianoche el 16/05/87.

13 de junio  Cine de medianoche: Cuentos de Canterbury (1971) de Pasolini

11 de julio Cine de medianoche: ¡Quiero la cabeza de Alfredo García! (1974) de Sam Peckinpah

8 de agosto: Cine de medianoche: Laberinto de pasiones (1982) de Pedro Almodóvar

Magnífica segunda película de Almodóvar, con un universo hilarante y situaciones surrealistas. Estupendo cartel diseñado por Iván Zulueta (08/08/87)

19 de septiembre  Cine de medianoche: Con el culo al aire (1980) de Carlos Mira

17 d eoctubre Cine de medianoche: Pixote, la ley del más débil (1981) de Hector Babenco

14 de noviembre Cine de medianoche: Ocaña, retrato intermitente (1978) de Ventura Pons

12 de diciembre  Cine de medianoche: Tacos altos (1985) de Sergio Renán

1988

Enero no hubo

20 de febrero Cine de medianoche: Caniche (1978) de Bigas Luna

12 de marzo Cine de medianoche: Matador (1985) de Pedro Almodóvar

Por Alfredo Manteca

Periodismo UCM. Cinéfilo y cinefago compulsivo. Crecí con Kubrick, Hitchcock y Cronenberg.

10 comentarios en «Clasificadas ‘S’»
  1. Hola, felicidades por tu web.
    El espacio «Cine de Medianoche» emitió tambien «La gran comilona» de Marco Ferreri, pero veo que no está en la lista.
    Saludos.

  2. Hola; Tambien se olvido de el gran film de marco ferreri HISTORIA DE PIERA si slguien tiene la pelicula muerte de un magnate para poder vovler a verla lo agradeceria! un saludo

  3. creo que el «el crimen de cuenca» si se llego a estrenar en los cines de Perú , a proposito lei que en el ciclo de cine de medianoche tambien pusieron «la muerte de un magnate» sobre esto dire que la historia no es del todo cierta culparon al hijo del jardinero pero en realidad el magnate luis banchero rosi fue asesinado por sus familiares cuando se enteraron que el iba a realizar una auditoria a sus empresas para averiguar cuanto le estaban robando

    1. Anda, aquí en España al final se pudo ver en salas, pero fue con el paso de los meses y con ciertos cortes de la censura, luego se pudo ver la versión integra. No me acuerdo de la película «La muerte de un magnate», ¿Me la recomiendas?

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